(Vasíli o Wassily Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 – Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.
La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libroPunto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.
La Concepción de Arte de Kandinsky
El artista como profeta
Como se indica en De lo espiritual en el arte ,Kandinsky consideraba que un artista auténtico parte de la creación como «una necesidad interna» que habita en la punta de una pirámide de movimiento ascendente. Esta pirámide representa un progreso en el tiempo. Lo que ayer era raro o inconcebible es algo común hoy en día, lo que es de vanguardia hoy en día (y entendido sólo por unos pocos) será mañana conocimiento común. El artista moderno-profeta está solo en la cúspide de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y marcando el comienzo de la realidad de mañana. Kandinsky estaba al tanto de los últimos desarrollos científicos y los avances de los artistas modernos que habían contribuido a radicalmente nuevas formas de ver y experimentar el mundo.
Composición IV y pinturas posteriores tratan principalmente de evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista. Al igual que en su pintura de la apocalipsis por el agua (Composición VI), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos, traduciéndolas a términos contemporáneos (con un sentido de desesperación, ráfaga, la urgencia y confusión). Esta comunión espiritual de Observador-pintor-artista/profeta se puede describir dentro de los límites de las palabras y las imágenes.
Teoría Artística y espiritual
Al igual que en las teorías de los ensayos Der Blaue Reiter Almanac y las indicaciones del compositor Arnold Schoenberg, Kandinsky expresó también la comunión entre el artista y el espectador como puestas a disposición tanto de los sentidos y la mente (sinestesia). Escuchando tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky afirma que, por ejemplo, el amarillo es el color del centro C en una trompeta de latón, negro es el color del cierre y el fin de las cosas, y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea sobre el plano.
Durante los estudios de Kandinsky hizo en preparación para Composición IV, se sintió agotado mientras trabajaba en una pintura y se fue a dar un paseo. Mientras estaba fuera,Gabriele Münter arregló su estudio y sin querer le dio la lona de su lado. Al regresar y ver la tela (pero todavía no lo reconoce) Kandinsky cayó de rodillas y lloró, diciendo que era la pintura más hermosa que había visto nunca. Había sido liberado del apego a un objeto. Como la primera vez que vio Monet Haystacks, la experiencia que cambiaría su vida.
En otro episodio con Münter durante los años expresionistas abstractos bávaros, Kandinsky estaba trabajando en su VI Composición. De casi seis meses de estudio y preparación, la obra pretendía evocar una inundación, el bautismo, la destrucción y renacimiento al mismo tiempo. Después de describir el trabajo sobre un panel de madera de tamaño mural, se quedó bloqueado y no pudo continuar. Münter le dijo que él estaba atrapado en su intelecto y no alcanzaba el verdadero sujeto de la fotografía. Le sugirió que se limitara a repetir la palabra uberflut («diluvio» o «inundación») y se centrara en su sonido y no su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la obra monumental en un lapso de tres días.
El análisis sobre las formas y los colores de Kandinsky resulta, no de simples y arbitrarias asociaciones con ideas, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas, sensorialmente ricas, trabajando con formas y colores sin descanso, observando sus pinturas y las de otros artistas, teniendo en cuenta sus efectos sobre su sentido del color. Esta experiencia subjetiva es algo que el filósofo francés Michel Henry llama «subjetividad absoluta» o la «absoluta vida fenomenológica «.
De lo espiritual en el arte
Publicado en 1911, el libro de Kandinsky compara el espiritual la vida de la humanidad a una pirámide, el artista tiene la misión de guiar a otros a la cima con su obra. La punta de la pirámide son esos pocos artistas, grandes. Se trata de una pirámide espiritual, avanzando y ascendiendo lentamente, incluso si a veces parece inmóvil. Durante los períodos decadentes, el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide, la humanidad sólo busca el éxito externo, haciendo caso omiso de las fuerzas espirituales.
Los colores en la paleta del pintor evocar un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo que está encantado por la belleza de los colores, de forma similar a la impresión alegre cuando comemos un manjar. Este efecto puede ser mucho más profundo, sin embargo, que causa una vibración del alma o una «resonancia interior», un efecto espiritual en el que el color toca el alma misma.
«Necesidad interior» es, para Kandinsky, el principio del arte y de la fundación de las formas y la armonía de los colores. Él lo define como el principio de contacto eficaz de la forma con el alma humana. Cada forma es la delimitación de una superficie por otro, sino que posee un contenido interno, el efecto que produce en quien lo mira con atención. Esta necesidad interior es el derecho del artista a la libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no se funda en la necesidad. Arte nace de la necesidad interior del artista de una manera enigmática, mística a través del cual adquiere una vida autónoma, se convierte en un sujeto independiente, animada por un aliento espiritual.
Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos un aislado de color y se deja actuar solo, por un lado es la calidez o frialdad del tono de color, y en el otro lado es la claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia hacia el amarillo, y la frialdad de una tendencia hacia el azul, amarillo y azul, forma la primera gran contraste y dinámica. Amarillo tiene un movimiento excéntrico y azul un movimiento concéntrico, una superficie amarilla parece moverse más cerca de nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser doloroso y agresivo. El azul es un color celeste, que evoca una profunda calma. La combinación de los rendimientos de azul y amarillo total de inmovilidad y la calma, que es verde.
La claridad es una tendencia hacia el blanco, y la oscuridad es una tendencia hacia el negro. Blanco y negro forman el gran contraste segundo, que es estático. El blanco es un silencio profundo, absoluto, lleno de posibilidades. El negro es nada sin posibilidad, un silencio eterno sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena con fuerza en sus vecinos. La mezcla de blanco con negro a gris, que no posee ninguna fuerza activa y cuya tonalidad es cercana a la de verde. Gray corresponde a la inmovilidad sin esperanza, sino que tiende a la desesperación cuando se pone oscuro, recuperando poco de esperanza cuando se ilumina.
El rojo es un color cálido, alegre y agitada, es contundente, un movimiento en sí mismo. Mezclado con negro se vuelve marrón, un color fuerte. Mezclado con amarillo, gana en calidez y se vuelve naranja, que imparte un movimiento de irradiación en sus alrededores. Cuando se mezcla con rojo azul que se aleja de hombre para convertirse en púrpura, que es un rojo fresco. Rojo y verde forma el gran contraste tercero, y naranja y púrpura del cuarto.
Punto y línea sobre el plano
En sus escritos Kandinsky analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó al soporte físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o pinta el plano básico, o BP. Él no los analiza objetivamente, sino desde el punto de vista de su efecto sobre el observador interior.
Un punto es un poco pequeña, de color formulada por el artista en el lienzo. No es ni un punto geométrico ni una abstracción matemática, sino que es la extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa, aunque, de acuerdo con su ubicación en el plano básico, tomará una tonalidad diferente. Puede ser aislado o resuenan con otros puntos o líneas.
Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o pincel por el artista. Las formas producidas lineales pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicado en una sola dirección; una línea angular, como resultado de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una curva (o en forma de onda) línea, producido por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente. Un avión se pueden obtener por condensación (desde unos girar alrededor de la línea de uno de sus extremos).
El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una línea horizontal corresponde con el suelo en el que el hombre se apoya y se mueve, sino que posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar a la de color negro o azul. Una línea vertical corresponde con la altura, y no ofrece ningún apoyo, sino que posee una tonalidad luminosa cálida próximo al blanco y amarillo. Una diagonal posee una más o menos caliente o frío tonalidad, de acuerdo con su inclinación hacia la horizontal o la vertical.
Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como la que produce una línea recta se corresponde con lirismo, varias fuerzas que se enfrentan (o molestar) sí forman un drama. El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interior que es cálido y cercano al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), el frío y similar a azul por un ángulo obtuso (un círculo), y similar al rojo por un ángulo recto (un cuadrado).
El plano de base es, en general, rectangular o cuadrada. por lo tanto, que se compone de líneas horizontales y verticales que delimitan y definen como una entidad autónoma que soporta la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad se determina por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales que dan una tonalidad calma, frío al plano de base, mientras que las verticales impartir una tonalidad calma, cálido. El artista intuye el efecto interior del formato de lienzo y dimensiones, que él elige de acuerdo a la tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinsky considera el plano básico de un ser vivo, que el artista «fecunda» y se siente «respirar».
Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva, lo que influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que redactará en él, y contribuye a la riqueza de la composición resultante de la yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano básico se corresponde con soltura y ligereza que, mientras que la continuación evoca la condensación y la pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer estos efectos para producir pinturas que no son sólo el resultado de un proceso al azar, sino el fruto del trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior.
Vladi Montenegro Guachamín 